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The Rainer Werner Fassbinder Method
A Retrospective

10 September 2021 to 6 March 2022

Rainer Werner Fassbinder (1945-1982) was a director, film producer, actor and author. As one of the key representatives of the New German Cinema, he succeeded in synthesising radical subjectivity and social analysis in his work, capturing the look and feel of the Federal Republic of Germany of his time like few other artists.
The retrospective, chronologically structured exhibition paints a multifaceted portrait of the great German filmmaker in the context of his time. His oeuvre, shown in combination with archive and source material, is presented as an unparalleled social document, and his biography is compellingly interwoven with the reality of the everyday life he experienced in Germany. A selection of documents, letters, archive material, photographs, quotations, personal objects, costumes and film compilations facilitate contextualisation.
Fassbinder’s exposed position, his creative non-conformity and artistic radicalism led to now-legendary films, television and theatre plays, such as FEAR EATS THE SOUL, THE MARRIAGE OF MARIA BRAUN, EIGHT HOURS DON’T MAKE A DAY, BERLIN ALEXANDERPLATZ and QUERELLE, which have become part of the collective visual memory. He was extremely prolific: in a career that lasted less than two decades, he wrote, directed or shot 45 feature films and 25 plays. From the beginning, he moved between theatre, film/television and documentary styles, adroitly adapting his visual language to the needs of each form.
Fassbinder lived and demanded intensity. His often contrary, critical attitude never got in the way of his profoundly affectionate depiction of people, irrespective of their milieu, and was invariably marked by respect and consistency. Fassbinder’s work – the subject of fierce debate during his lifetime – has lost none of its force, vitality and significance. To understand it means to be able to muster understanding and tolerance for ourselves and others.

An exhibition of the Bundeskunsthalle, Bonn, in cooperation with the DFF – Deutsches Filminstitut & Filmmuseum, Frankfurt am Main, and the Rainer Werner Fassbinder Foundation, Berlin.

'Adam, Eve and the Serpent'
Works from the Schenkung Sammlung Hoffmann

29 October 2021 to 13 February 2022

With a selection of some 200 outstanding works – ranging from painting, photography, drawing and sculpture to installation, film and video art – the Bundeskunsthalle presents a comprehensive survey of modern art drawn from the important private collection put together by Erika and Rolf Hoffmann. The Hoffmanns made their first acquisitions in the 1960s, purchasing primarily directly from artists, with whom they maintained a close dialogue from the very beginning. The exhibition offers deep insights into the collection in all its individuality, subjectivity and intensely private nature – Erika Hoffmann has been known to describe the works as ‘family members.’
The dialogical, corresponding and synergetic principle of the collection, which transcends borders and generations, is made manifest in the open and cross-media presentation. The exhibition sheds light on surprising correspondences, offers intellectual and emotional stimuli and reflects fundamental existential and philosophical questions that have a timeless validity in our society. Concepts such as energy, radicality, innovation, transience, corporeality or volatility are compellingly brought to life in works by artists such as Carla Accardi, Yael Bartana, Christian Boltanski, Monica Bonvicini, Isa Genzken, Felix González-Torres, Georg Herold, Barbara Kruger, Yayoi Kusama, Ernesto Neto, Julian Rosefeldt, Frank Stella, Wolfgang Tillmans and Andy Warhol. The rich diversity of artistic expressions in the exhibition reflects that of the collection.

A cooperation between the Bundeskunsthalle and the Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Schenkung Sammlung Hoffmann

Federal Prize for Art Students

25th Federal Competition of the Federal Ministry of Education and Research
12 November 2021 to 30 January 2022

Every two years, the 24 German art academies nominate two of their best students to take part in the competition Federal Prize for Art Students. A jury of experts selects up to eight prize winners from among the nominees.
In the exhibition, each of the winners is given a room of their own. Their works are representative of the high quality and diversity of art currently produced at German art schools and academies – from Installation, sculpture, video, performance and painting to multimedia. The Federal Competition is a unique platform that supports outstanding students and enables them to gain professional exhibition experience and to establish contacts within the art world.

The Brain
In Art & Science

28 January to 26 June 2022

The brain is one of the last big mysteries of the human body. What do we actually have in our heads, and how should we picture the processes that take place there? Are our mind and our body two separate entities, and how do we understand and construct the world around us? What will the human brain of the future look like? Will we become computer-assisted cyborgs? The cooperation of various disciplines is needed to address these complex questions. Although brain research is constantly delivering new results, many questions remain unanswered. The arts can help us to ponder concepts of thinking and feeling, consciousness and perception, memory and dream. The exhibition brings together scientific research and associatively linked works and objects of art and cultural history with a view to explore and gain a better understanding of the terra incognita of the human brain.

Simone de Beauvoir
und „Das andere Geschlecht“

4. März bis 19. Juni 2022

Simone de Beauvoir (1908–1986) gehört zu den wichtigsten Intellektuellen des 20. Jahrhunderts und gilt als Ikone der Frauenbewegung. Im Jahr 1949 veröffentlichte die Schriftstellerin und Philosophin die Studie Le deuxième sexe („Das andere Geschlecht“), in der sie sich mit der Situation der Frauen in der westlichen Welt auseinandersetzte. Ihre brillante Analyse, die Behandlung von tabuisierten Themen wie sexuelle Initiation, lesbische Liebe oder Abtreibung lösten damals eine Welle von Kritik und Anfeindungen aus. Erst später wurde die Studie als Grundlage der Frauen- und Geschlechterforschung und als feministisches Standardwerk anerkannt.
Mit Le deuxième sexe widmet sich unsere Ausstellung dem wohl berühmtesten Werk von Simone de Beauvoir, das nichts an Relevanz verloren hat, da die Emanzipation der Frauen global noch nicht abgeschlossen ist. Die Ausstellung geht der Entstehung des Werkes im Paris der Nachkriegszeit nach, als die Philosophie des Existenzialismus neue Maßstäbe setzte, und erzählt von der Bedeutung und Rezeption dieser „Bibel des Feminismus“ innerhalb der Frauenbewegung.
Literarische und journalistische Beiträge, Interviews und Filme stellen Simone de Beauvoirs Denken und ihr Verständnis vom freien und unabhängigen Leben vor und lassen ihre wichtigsten Weggefährt*innen wie Jean-Paul Sartre oder Alice Schwarzer zu Wort kommen.

Spektren. Farbe ist Programm

8. April bis 7. August 2022

Die Ausstellung beschäftigt sich mit dem Thema der Farbe als programmatisches Mittel. Sie versammelt kunst- und kulturgeschichtliche Exponate aus über 100 Jahren, kulminierend in Beiträgen zeitgenössischer Kunst. Präsenz und Funktion von Farbe haben sich in dieser Zeitspanne grundlegend geändert. Farbe in ihrer Funktion als Bedeutungsträgerin ist ein wichtiges Thema in der Ausstellung, auch wenn sich jegliche Farbgebung aus ihren jeweiligen kunsthistorischen Zuschreibungen emanzipieren konnte. Die Farbe selbst hat sich seit der Moderne als gestalterisches und künstlerisches Mittel verselbständigt. Infolgedessen hat sich auch der Einsatz von Farbe als Material radikal gewandelt. Mit der rasanten Entwicklung digitaler Technologien in jüngerer Zeit beeinflussten immer intensivere Farberlebnisse die allgemeine Wahrnehmung, einschließlich unseres Verständnisses der Rolle von Kunst. Die Wirkkraft von Farbe durchdringt alle Disziplinen, nicht nur ästhetisch und wahrnehmungspsychologisch, sondern auch politisch und ökonomisch. Auch ihr kommerzieller Einsatz hat sich im Kapitalismus exponentiell gesteigert.
Zentrales Thema von Spektren ist die künstlerische Beschäftigung mit der affektiven und repräsentativen Kraft von Farbe. Dabei ist die Bedeutung von Farbe mehr denn je ein komplexes Konstrukt gesellschaftlicher Übereinkünfte geworden. Bildende Kunst ist das primäre Spielfeld dieser Ausstellung – insbesondere ihr Vermögen abstrakte Denkräume zu eröffnen.
Der Parcours durch die Ausstellung wie auch die assoziative Herangehensweise sind bewusster Teil der Inszenierung. Diese kann über eine raumgreifende, spezifisch für die große Halle produzierte Architektur erlebt werden, die der Künstler und Ko-Kurator Liam Gillick entwickelt hat.

Spektren ist die erste Ausstellung, die vom gesamten Team der Kuratorinnen entwickelt wurde und dadurch viele unterschiedliche spezifische Forschungsschwerpunkte aufweist. Neue, in Auftrag gegebene Installationen (Hans Op de Beeck, Vorplatz) und immersive Räume (La Monte Young, Südgalerie) werden das Projekt bereichern.

„Identität nicht nachgewiesen“

7. Mai bis 3. Oktober 2022

Die Bundeskunsthalle zeigt regelmäßig Ausstellungen mit Werken aus der Sammlung des Bundes. Auch die neue Ausstellung präsentiert ausgewählte Arbeiten, die innerhalb der fünfjährigen Tätigkeit (2017– 2021) von einer ehrenamtlichen Fachkommission für die Sammlung der Bundesrepublik Deutschland angekauft worden sind. Zusätzlich kommen dieses Mal Ankäufe hinzu, die mit Mitteln von NEUSTART KULTUR von einer weiteren Ankaufskommission erworben werden konnten. Das kuratorische Konzept wurde im kollaborativen Prozess von zwölf Kurator*innen unter Moderation der Bundeskunsthalle entwickelt.
Das Team verspricht sich von der Durchmischung der beiden Ankaufskonvolute eine größtmögliche Aktualität und einen repräsentativen Querschnitt der zeitgenössischen, mitunter auch der sehr jungen Produktion. Für die dialogische Konzeption der Ausstellung sind Themen und Cluster wie zeitgenössische politische und gesellschaftliche Relevanz, postkolonialer Diskurs, Posthumanität, Geschichtskonstruktionen, Urbanität oder auch eine werkimmanente Bildästhetik maßgeblich. Die Ausstellung trägt der im zeitgenössischen Kontext relevanten Sammlung des Bundes Rechnung und veranschaulicht, wie historische und aktuelle Entwicklungen, kollektive Sehgewohnheiten oder Hinterfragungen von Bildkonstruktionen künstlerisch und modellhaft umgesetzt werden. Die Auswahl der Werke macht deutlich, dass die gegenwärtigen künstlerischen Ausdrucksformen eine breite Palette an Techniken und Medien umfassen – von raumgreifenden Installationen, Zeichnung, Malerei und Skulptur bis hin zu Fotografie, Video und akustischen Arbeiten.

Eine Ausstellung der Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland in Zusammenarbeit mit der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM)

Bettina Pousttchi – The Curve

Sommer 2022 bis 2023

Auf dem Dach der Bundeskunsthalle ist für den Sommer eine weitere interaktive Installation geplant, die die spielerischen Komponenten im öffentlichen Raum ergänzt: Den sich allsommerlich auf dem Platz präsentierenden Brunnen Circular Appearing Rooms von Jeppe Hein und die Bonner Rutschbahn von Carsten Höller, die sich um seine eigene Achse die Fassade hinaufschlängelt. Beide werden als partizipative Angebote von einem breiten Publikum sehr dankbar genutzt und verstetigen sich in der Wahrnehmung der Besucher*innen als feste Bestandteile der Bundeskunsthalle.
Die Berliner Künstlerin Bettina Pousttchi (*1971) hat für die Südwestecke des Daches eine Steilrampe vorgeschlagen, die trotz ihrer Steigung begehbar bleibt. Inspiriert ist sie von der legendären Teststrecke, die der Fiat-Konzern auf dem Dach seines 1923 eröffneten Werks im Turiner Stadtteil Lingotto errichtete und von den Futuristen in ihren Technik und Beschleunigung feiernden Bildwelten verewigt wurde. Das historische Zitat übersetzt Pousttchi, wie oftmals in ihrer Arbeit, in eine eigenständige Skulptur bei der die Realität mit der Fiktion verschwimmt. Ihre Rampe erhält durch die matte, schwarz-weiße Oberfläche eine fast fotografische Präsenz. Ihre Physis schmiegt sich dynamisch in den Umraum ein.
Die Zentrifugalkräfte unserer Gesellschaft, die die Künstlerin benennt mit Fluidität / Diversität / Hybridität, sind dem Werk wie auch ihrer Arbeit eingeschrieben. Die strenge Klarheit und Härte mit dem Charme einer Autobahnkurve steht im gewollten Widerspruch zu der Vereinnahmung durch ein willkommenes Publikum, dem eine Bühne zur Bewegung, Begegnung und Belebung gegeben wird.

Die Oper ist tot – Es lebe die Oper!

30. September 2022 bis 5. Februar 2023

In der Oper verbinden sich verschiedene Formen der Kunst (Musik, Gesang, Schauspiel, Tanz) und des Handwerks (Kostüm, Bühne, Licht) zu einem spektakulären Gesamtkunstwerk. Sie überschreitet die Grenzen der Realität, lebt von dramatischen Extremen, vom Magischen und Irrationalen und ist als Kunstereignis einmalig und vergänglich.
Ausgehend von den Anfängen der Oper in Italien, inszeniert unsere Ausstellung kaleidoskopartig Blicke auf verschiedene Opernkonstellationen. Sie präsentiert die barocken Spektakel an den europäischen Höfen und geht der Vielfalt der kommerziellen Spielstätten im Venedig des 17. Jahrhunderts nach. Am Beispiel berühmter Opernhäuser wie der Mailänder Scala, der Wiener Hofoper oder der New Yorker Met erzählt sie vom Wachstum und Wandel der Institution im 19. und 20. Jahrhundert sowie von Menschen, die sich zusammenfinden, um ihren inneren Bildern die sinnliche Gestalt zu verleihen, die das Publikum zu sehen und zu hören bekommt.
Begleitet von Einspielungen zahlreicher Opernwerke, erzählen Gemälde und Kostüme, Plakate und Bühnenbildmodelle, Karikaturen und Programmhefte bekannte und unbekannte Geschichten einer sich immer wieder neu erfindenden Gattung und Institution.

Die Letzten ihrer Art
Seltene Handwerke und Berufe im Wandel

15. Dezember 2022 bis 26. März 2023

In der Reihe interdisziplinärer Ausstellungen zu wissenschaftlich-technischen und gesellschaftsrelevanten Themen widmet sich die Bundeskunsthalle seltenen oder gefährdeten handwerklichen Berufen. Die Ausstellung will nahezu vergessene Handwerke präsentieren und damit zugleich fördern. Die UNESCO-Liste des immateriellen Kulturerbes Deutschlands zählt eine Reihe von schützenswerten lokalen Traditionen auf, wie z.B. Drechsler- und Flechthandwerk, Porzellanmalerei, Seidenweberei und Musikinstrumentenbau. Auch andere Menschen wie der letzte Bergmann des Ruhrpotts oder die letzte Rheinschifferin haben Berufe erlernt, die drohen, in Vergessenheit zu geraten.
Die Ausstellung nimmt besonders den lokalen beruflichen Wandel in Nordrhein-Westfalen in den Blick. Die Auswahl der Handwerkskünste geschieht nach qualitativen Gesichtspunkten, aber auch im Hinblick auf persönliche Geschichten, die oft mehrere Familiengenerationen umspannen. Diese Geschichten haben soziale und psychologische Facetten, z. B. auch in Bezug auf den Begriff der Kreativität und seine Bedeutung für unsere Bildung und unser Wohlbefinden. Ein spezieller Fokus liegt auf der Revitalisierung aussterbender Handwerksberufe. Auch der interaktive Bezug zu aktuellen Trends, wie Do-it-yourself-, Repair- und Recycling-Workshops sowie zur Nachhaltigkeitsdebatte allgemein, ist vorgesehen.

Show bibliography
  1. Rainer Werner Fassbinder mit Kameramann Michael Ballhaus bei den Dreharbeiten zu WARNUNG VOR EINER HEILIGEN NUTTE, BRD 1970/71 © DFF – Deutsches Filminstitut & Filmmuseum, Frankfurt am Main / Sammlung Peter Gauhe, Foto: Peter Gauhe Rainer Werner Fassbinder during filming.
  2. Felix Gonzalez-Torres, „Untitled“ (Placebo – Landscape – for Roni), Ausschnitt,, 1993, Schenkung Sammlung Hoffmann, Staatliche Kunstsammlungen Dresden © SKD, photo: Oliver Killig Kunstwerk von Felix Gonzalez-Torres, „Untitled“. Viele Bonbons in goldenem Papier.
  3. Collage of works from the art students, 2021 Collage of works from the art students, 2021
  4. Simone de Beauvoir, Französische Schriftstellerin, Philosophin und Feministin, 1954 © Pierre Boulat / Agentur Focus
  5. Sophie Täuber-Arp, Foyer-bar, L ’Aubette, Strassburg, 1927/28, Rekonstruktion Museum Haus Konstruktiv, Zürich 1998, Sammlung Museum Haus Konstruktiv, Foto: Stefan Altenburger Von Sophie Täuber-Arp 1927/28 gestaltete Foyer-bar, L ’Aubette, Strassburg,
  6. Bussaraporn Tongchai, Identität nicht nachgewiesen, 2018, Zeichnung auf Papier, Courtesy of the Artist Bussaraporn Tongchai, Identität nicht nachgewiesen, 2018, sw Zeichnung, weibliche Figur mit hohem Hut.
  7. Weaver at hand loom, probably Bielefeld, c. 1930, © LWL-Medienzentrum für Westfalen Weaver at hand loom, probably Bielefeld, c. 1930
  8. Grafikdesign: Manuel Radde, Bernhard Poppe (Illustration) für dform.at / Abbildung: Rendering für „Das Gehirn. In Kunst & Wissenschaft“, Artwork (3D-Grafik) Maik Perfahl (mostlikely) in Zusammenarbeit mit Andreas Pawlik (dform.at) Hirnwindungen

Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland

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Helmut-Kohl-Allee 4
53113 Bonn
T +49 228 9171–200

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